Mesdames, Mesdemoiselles, Messieurs, attachez bien vos ceintures.
Le commandant Bernie vous souhaite la bienvenue à bord de sa navette musicale « COMEBACK » pour un passionnant voyage à travers les époques de la Chanson… Accrochez-vous bien, c’est parti !

 FRÉHEL : « LA JAVA BLEUE » (1939)

Née le 13 juillet 1891 à Paris, Fréhel, de son vrai nom Marguerite Boulc’h, découvre très jeune le monde du spectacle puisqu’à l’âge de 5 ans, elle demande l’aumône, en chantant, en compagnie d’un non voyant, dans les quartiers les plus populaires de la capitale. À 15 ans, elle travaille dans le commerce du porte à porte mais pour elle, ce n’est qu’un tremplin financier pour se faire remarquer afin d’exercer l’art qu’elle apprécie par-dessus tout : la chanson. Elle fait la connaissance de la Belle Otero (grande vedette de l’époque, d’origine espagnole, qui a fait les beaux soirs des « Folies-Bergère ») qui est séduite par son physique (qui, malheureusement, se dégradera plus tard) ainsi que par son joli et chaud timbre de voix. C’est elle aussi qui lui trouve le doux nom de « Petite Pervenche » avec lequel elle commence à se produire. Fin 1907, elle rencontre Robert Hollard (mieux connu sous son nom d’artiste, Roberty), un jeune comédien amateur avec qui elle se marie et a un enfant. Un enfant qu’elle a la tristesse de perdre très tôt et qui aura des retombées dramatiques sur la suite de son existence. En effet, le couple se sépare en 1910 et peu après, elle acquiert définitivement son nom de scène en référence à ses origines ancestrales. Elle entretient une idylle avec Maurice Chevalier qui la délaissera au profit de Mistinguett en raison de sa dépendance croissante à l’alcool et la drogue. Son état ne s’améliorant pas, elle part s’exiler en Turquie et c’est l’Ambassade de France qui l’extraira de sa déchéance. Elle revient en 1925 mais devra attendre le début des années 30 pour connaître à nouveau le succès. Celui-ci se forge entre 1931 et 1949 par l’entremise du cinéma qui l’emploie dans des rôles pas toujours très flatteurs, son physique empâté ne la prédestinant pas à des scènes amoureuses… 17 films émailleront sa carrière cinématographique dont le plus célèbre, « Pépé le Moko », en 1936, au cours duquel elle interprète l’un de ses plus grands succès : « Où Sont-Ils Donc ». En 1950, elle fait sa dernière apparition en public sous l’impulsion du poète, journaliste et écrivain Robert Giraud associé à son confrère Pierre Mérindol. Ces deux personnalités médiatiques réussissent le pari de faire remonter Fréhel sur une scène parisienne mais cet ultime récital résonnera comme un chant d’adieu puisque quelques mois après, la vedette de l’entre-deux-guerres sera retrouvée morte le 3 février 1951 dans une chambre d’un immeuble glauque situé au 45, rue de Pigalle. Vous pouvez retrouver la chanson ici proposée parmi d’autres succès (« Comme Un Moineau », « Où Sont Tous Les Amants ? », « La Valse À Tout Le Monde »…) dans un CD de la série « Les Étoiles de la Chanson » composé de 22 titres (Music Memoria, 1995) ou mieux encore, dans « Le Meilleur de Fréhel », un double CD paru chez EMI (1997).  

DJANGO REINHARDT : « NUAGES » (1940)   

Ce musicien exceptionnel, à l’origine du courant musical « Jazz manouche » ou « Gypsy Jazz », est un virtuose de la guitare dont le jeu est incomparable. La technique qu’il déploie est unique pour la raison qu’elle est due en partie à un don naturel, à un style inné, et d’autre part, à un accident qui entrava, par une grave brûlure, la maniabilité de sa main gauche. Cet événement jouera un rôle essentiel dans sa façon de jouer : ses deux doigts restés valides développeront des accords d’une rare justesse et d’une infinie précision ! Né le 23 janvier 1910 à Liberchies, à proximité de Pont-à-Celles (à quelques kilomètres de Courcelles, où je réside) au sein d’une famille de nomades, le petit Jean Reinhardt (c’est ce nom qui est renseigné sur l’acte de naissance) grandit au son de la musique qui égaie les soirées du campement. Son oncle joue du banjo et il rêve de l’imiter. À force de l’observer et d’étudier sa technique, son objectif devient réalité et de plus, il démontre une dextérité extraordinaire. À 13 ans, son talent est tel qu’il s’illustre aux côtés de l’accordéoniste Jean Vaissade (le compositeur de « Sombreros et Mantilles » pour Rina Ketty dont il fut l’époux) dans les bars les plus branchés de Paris. Mais Django ne veut pas se limiter au banjo. Il s’essaie au violon avec le même enthousiasme.  À 18 ans, l’incendie qui ravage la roulotte qu’il partage avec sa première épouse le contraint, de par l’infirmité qui en découle, à se fixer définitivement sur la guitare. En 1930, après plusieurs mois de soins et de convalescence, il se réintègre à la vie artistique en découvrant que la guitare occupe désormais une place prépondérante dans les grands orchestres de Jazz. La musique de Louis Armstrong ou celle de Duke Ellington le fait frémir et dans sa tête, tout est bien clair au niveau de la voie musicale qu’il souhaite emprunter : il sera, lui aussi, musicien de Jazz. Afin d’acquérir une notoriété qui va sans cesse s’accroître, il débarque sur la Côte d’Azur et intègre l’orchestre de la « Croix du Sud », un club dirigé par le saxophoniste et clarinettiste André Ekyan dont la rencontre sera déterminante pour la suite de sa carrière. En effet, cet orchestre compte en ses rangs deux des plus grands musiciens de Jazz français de cette époque : Alix Combelle (1912-1978) et le violoniste Stéphane Grapelli (1908-1997) avec qui il fonde le « Quintette du Hot Club de France » qui se compose du frère de Django, Joseph, Roger Chaput à la guitare et Louis Vola à la contrebasse. Le succès de cette association va dépasser les frontières et de grands artistes de Jazz américains, de passage en France, se proposent de jouer en leur compagnie : le saxophoniste Coleman Hawkins (1904-1969), le multi-instrumentiste, compositeur et chef d’orchestre Benny Carter (1907-2003, qui travailla avec, entre autres, Ray Charles, Louis Armstrong et Ella Fitzgerald) et le cornettiste Rex Stewart (1907-1967). Malheureusement, le second conflit mondial va déchirer la formation alors en tournée en Angleterre. Stéphane Grapelli choisit de rester à Londres tandis que Django revient en France. Écarté du recrutement militaire suite à ses brûlures, Django continue à jouer le plus souvent à Paris et en 1940, il enregistre « Nuages », l’un de ses plus grands succès avec le clarinettiste, saxophoniste et chef d’orchestre Hubert Rostaing (1918-1990, compositeur également de nombreuses musiques de films). En 1944, il connaît un bonheur sans pareil : sa seconde femme lui donne un fils, Babik, qui deviendra, à son tour, guitariste de Jazz. La guerre finie, le « Hot Club de France » se reforme et part en tournée aux États-Unis en 1946, l’occasion unique et exceptionnelle pour Django de jouer aux côtés de Duke Ellington (1899-1974), l’une de ses idoles. Cependant, Django descendra bien vite de son petit « nuage », Ellington le faisant intervenir en fin de récital. Cette déception digérée, il cherche à rencontrer d’autres grands tels le saxophoniste Charlie Parker (1920-1955), le trompettiste Dizzy Gillespie (1917-1993) et le pianiste Thelonious Monk (1917-1982). Comble de malchance, il ne réussit pas à déterminer un rendez-vous, ces musiciens ayant chacun un emploi du temps surchargé. Découragé par cette soi-disant ignorance de son immense talent, Django délaisse la guitare et part se réfugier à Samois-sur-Seine à proximité de Fontainebleau. Et là, subitement, il retrouve l’envie de rejouer, de se surprendre lui-même. Il décide de s’entourer de nouveaux musiciens : le trompettiste Roger Guérin (c’est lui qui signe le solo dans « Armstrong » de Claude Nougaro), les frères Hubert et Raymond Fol, respectivement saxophoniste et pianiste, le contrebassiste Pierre Michelot (1928-2005, il a aussi travaillé avec Nougaro mais aussi avec Miles Davis, Chet Baker et Sydney Bechet), le pianiste Bernard Pfeiffer (il a joué au début des années 50 avec le tout jeune Sacha Distel) et le batteur Jean-Louis Viale. Django renaît et en 1953, il participe aux tournées du « Jazz at the Philarmonic », une série de concerts produits par Norman Granz. Ensuite, Eddie Barclay flaire le bon coup de ce « revival » et le convainc à enregistrer plusieurs morceaux destinés au marché américain. Django aura sa revanche sur les Etats-Unis et son indéniable génie sera enfin reconnu à sa juste valeur. Le 8 avril 1953, Django franchit pour la dernière fois les portes d’un studio pour une nouvelle version de « Nuages »… Était-ce une prémonition ? Un mois plus tard, Django nous quitte brutalement suite à une hémorragie cérébrale. Il repose dans le petit cimetière de Samois-sur-Seine, pas loin de la maison au mur de laquelle une plaque commémorative a été apposée signalant au visiteur l’illustre musicien qu’elle a abrité. Au rayon CD, je vous recommande l’intégrale, saison 1 (1928-1938), qui vient de paraître sous le label Frémeaux & Associés, une édition dirigée par Daniel Nevers pour le centenaire de sa naissance. 

THE PLATTERS : « ONLY YOU » (1955) 

Fondée en 1953 sous l’égide de Ralph Bass (1911-1997) puis reprise par le producteur Buck Ram (1907-1991), la formation se compose initialement de Tony Williams (1928-1992, qui quittera le groupe en 1960), David Lynch (1930-1981), Alex Hodge qui ne fait qu’un court intermède, remplacé en 1954 par Paul Robi (1931-1989), Herb Reed (dernier membre vivant âgé de 78 ans) et Zola Taylor (1938-2007). Ce n’est qu’après l’engagement de Zola et le remplacement d’Alex Hodge qu’ « Only You » paraît. D’emblée, il truste les premières places des Charts et reste excellemment classé pendant sept semaines. Le disque suivant, « The Great Pretender », enregistré à peine cinq mois après, remporte un plus grand succès encore, se classant n° 1 des Charts « Rhythm’n’blues » et « Tous Publics ». Les tubes vont s’enchaîner à la vitesse de l’éclair : « You’ve Got The Magic Touch » (février 1956, n° 4), « My Prayer » (juin 1956, n° 1), « I’m Sorry » (janvier 1957, n° 11), « Twilight Time » (avril 1958, n° 1), « Smoke Gets In Your Eyes » (octobre 1958, n° 1). Quatre n° 1 en l’espace de 3 ans et demi : « The Platters » est le groupe en vogue : on n’entend plus qu’eux à la radio et les émissions de télévision se les arrachent. Les singles suivants, avec, à la base, toujours la bonne vieille « recette », seront pourtant moins bien « répercutés » dans les Charts : « Remember When » en mai 1959 se classe n° 41 et « Where » sorti en août ne récolte qu’une 44^ème place. La fin de l’année 1959 est un peu plus heureuse avec une honorable 8^ème place pour « Harbor Lights ». À partir de 1960, la belle machine se déglingue : après quelques apparitions cinématographiques, le groupe se disloque : Tony Williams claque la porte en 1961, imité par Zola Taylor et Paul Robi. Charles « Sonny » Turner prend la place laissée vacante par Williams au sein d’une formation à la recherche de son second souffle. Il faut attendre 1967 pour revoir « The Platters » dans le Top 20 avec « With This Ring », une composition de Luther Dixon, Richard Wylie et Anthony Hester. En effet, ce trio réussit la gageure de ramener le groupe au devant de la scène avec une très jolie 14^ème position. Malheureusement, ce n’est qu’un feu de paille et les années suivantes ne seront plus émaillées que d’incessantes batailles juridiques au cours desquelles les anciens membres s’entre-dévoreront pour l’obtention des droits d’auteurs. À l’heure actuelle, le dernier membre survivant de la formation initiale, Herb Reed tourne toujours avec une nouvelle formation tout naturellement appelée « Herb Reed and The Platters » et ont plusieurs récitals prévu à leur calendrier jusqu’en septembre 2010. Si vous voulez réécouter leurs tubes légendaires et de surcroît remastérisés, je vous suggère la compilation « All-Time Greatest Hits » de 2004 parue chez Mercury qui regroupe 18 titres incontournables. C’est bientôt le moment des cadeaux, faites-vous plaisir !

MANFRED MANN : « HA ! HA ! SAID THE CLOWN » (1967) 

Cette chanson a une « saveur » toute particulière pour moi. Je l’ai découverte que j’avais 5 ans ! Nous étions en vacances à la mer avec mes parents et grands-parents. À chaque fois que nous sortions faire un tour, je l’entendais ! C’était vraiment un grand succès de cet été 1967 et quand nous prenions le « petit train » qui nous faisait découvrir le paysage hors littoral, la radio nous le « balançait » inévitablement à son tour ! Dans ces conditions, comment voulez-vous que je ne m’en souvienne pas ! Evidemment, je ne savais pas que « Manfred Mann » était à l’origine de ce tube. Ce groupe de 1962 porte en fait le nom de son fondateur, le claviériste Manfred Mann. Plusieurs styles de musique ont été visités par cette formation qui, au départ, s’appelait réellement « Mann-Hugg Blues Brothers » de par l’association avec Mike Hugg, chanteur, batteur et aussi claviériste, de la Pop au Rock Progressif, en passant par le Rhythm’n’blues et le Jazz-Rock fusion (courant né d’un mélange Jazz-Rock-Funk exploré par l’emblématique Frank Zappa). C’est à Londres que les bases du groupe sont définies et les deux protagonistes recrutent d’autres musiciens : le guitariste Mike Vickers, le bassiste Dave Richmond ainsi que Paul Jones (harmonica et voix). La formation décroche un contrat chez HTV Records, prend l’appellation « Manfred Mann » et enregistre un single instrumental intitulé « Why Should We Not » qui sort en juillet 1963. Le disque passe plutôt inaperçu… Pourtant le son est novateur et les responsables de l’émission « Ready Steady Go » sur la chaîne musicale du groupe audiovisuel britannique ITV leur commande un générique qui atteint la 5^ème position des Charts. Alors que « Manfred Mann » commence à s’imposer, le groupe est bouleversé par le brusque départ de Dave Richmond qui cède sa place à Tom Mc Guiness. Le team décroche la première place des classements américains et anglais  avec « Do Wah Diddy Diddy », une reprise du hit des « Exciters » dont Sheila fit une version française sous le titre « Vous Les Copains » qui fut l’un de ses premiers grands succès. « Manfred Mann » assoit son succès en 1965, reprend « With God On Our Side » de Bob Dylan et triomphe ensuite avec « The One In The Middle ». Le hit « If You Gotta Go, Go Now » vient compléter le joli palmarès du groupe en septembre 1965. Cette nouvelle reprise d’un morceau de Dylan se classe n° 2 dans les Charts britanniques. Après ce nouveau tube, Paul Jones souhaitera quitter ses compères qui, toutefois, le convaincront de rester. Ce ne sera qu’un sursis puisqu’il partira l’année suivante. Cependant, le changement titille un autre membre de l’équipe, en la personne de Mike Vickers qui est remplacé par Jack Bruce, en provenance des « John Mayall’s Bluesbreakers ». Comme il l’avait annoncé un an plus tôt, Paul Jones s’en va au profit de Mike d’Abo et Jack Bruce est également séduit par une nouvelle aventure : la formation de « Cream » avec Eric Clapton et Ginger Baker. La formation salue l’arrivée de Klaus Voormann et intègre la maison de disques Fontana. « Manfred Mann » confirme son attachement « dylanesque » avec deux reprises de l’inoubliable interprète de « Knockin’ On Heaven’s Door » : « Just Like A Woman » (1966) et « Quinn The Eskimo (The Mighty Quinn) » (1967) entrecoupés par le tube « Ha ! Ha ! Said The Clowns » ici présenté. Cependant, les deux derniers albums du combo, « Up The Junction » et « Mighty Garvey ! » n’auront pas le succès escompté et en 1969, les membres se séparent. Toutefois, Mann et Hugg veulent toujours y croire et créent « Manfred Mann Chapter III ». Cette nouvelle association ne sera qu’éphémère et, dans la foulée, en 1971, Mann conçoit « Manfred Mann’s Earth Band » qui, de nos jours, est toujours bien là avec l’indestructible Mann (claviers), Mick Rogers (guitare et voix), Steve Kinch (basse), Noel Mc Calla (percussions et voix) et Pete May (batterie). Depuis, 16 albums studio ont été enregistrés dont le dernier « 2006 » sorti en… octobre 2004. Comme je suis un peu nostalgique des premiers hits, je choisirais sans hésiter la compilation « 1964/1969 » garnie de 24 titres, parue le 4 décembre 2006 sous le label « Magic France ».

MARC HAMILTON : « COMME J’AI TOUJOURS ENVIE D’AIMER » (1970) 

Né en Gaspésie (une péninsule canadienne au sud-est du Québec) le 2 février 1944, Marc marque (oui, je sais, je ne l’ai pas fait exprès !) très vite un vif intérêt pour la musique et plus particulièrement pour le Rock’n’roll. Ses premières idoles ont pour noms Elvis Presley et Jerry Lee Lewis. Il acquiert une guitare qui, très rapidement aussi, n’a plus aucun secret pour lui et à 19 ans, il fonde le groupe « Les Shadols » dans lequel il est chanteur et guitariste. En 1965, pas convaincu de l’impact de cette appellation, il décide de changer l’identité de sa formation : « Les Shadols » deviennent « Les Monstres », pas de quoi déclencher un raz-de-marée médiatique (seulement 2 45 tours)! Puis de 1967 à 1968, il intègre un autre groupe, « Les Caïds » mais le succès ne vient toujours pas. C’est à l’automne 1969 qu’il décide d’entreprendre une carrière solo avec un premier 45 tours comprenant « Nous avons marché » et « J’irai un jour à Paris ». Il ne croit pas si bien chanter, l’ami Marc qui sait que son heure de gloire va bientôt sonner. En février 1970, il enregistre une chanson qui va littéralement changer le cours de sa vie, du jour au lendemain. Dès sa sortie, « Comme J’ai Toujours Envie D’aimer » devient un méga tube : 200.000 exemplaires sont écoulés au Québec tandis qu’en France, le disque atteint la vente de 1.500.000 copies ! Le « copyright » de la chanson sera énormément sollicité et elle atteindra rapidement une renommée internationale ! Marc Hamilton n’a même plus le temps de se retourner sur son récent passé : de chanteur banal, il endosse le costume d’une grande vedette et multiplie les passages à la télévision, participe aux fameuses tournées « Musicorama » et s’affiche en couverture de tous les magazines de variétés. Son look ne laisse pas non plus indifférent : affublé d’une barbe et de cheveux longs, il ressemble à un « Beatle » d’avant la séparation des 4 gars de Liverpool. L’album éponyme qui suivra le mois suivant la parution du single n’aura, malheureusement, d’attrait que pour ce dernier qui, par son immense succès, occultera les autres titres dont on retirera essentiellement, de par le contraste musical qu’ils engendrent, le très rock « C’est Que Tout Va Bien », le psychédélique et oriental « Tapis Magique » (qui servira de face B au 45 tours) et « Entre Les Fleurs » aux couleurs slaves. Pourtant, le chanteur devra vite déchanter (je ne le fais toujours pas exprès, hein !), la suite de sa carrière discographique sera beaucoup moins heureuse à part, peut-être, les singles « Rosemary » et « Si Je Pouvais Te Faire Un Enfant » aux ventes plus modestes par rapport à son tube légendaire. En 1973, un grave accident durant l’exécution de travaux dans sa propriété le prive de l’usage de son œil gauche. Tout en gardant le goût pour l’écriture et la musique, Marc se fait quelque peu oublier et se recycle dans le commerce de bois de chauffage. Ses retours à la chanson seront épisodiques avec, quand même, la publication de 3 albums et de deux compilations en 1993 et 2001. En 2003, il rend hommage à Charles Aznavour en enregistrant un album de reprises. Fin 2005, il édite une autobiographie : « La Chanson qui m’a tué » dans laquelle il raconte comment sa vie a été bouleversée au moment de la sortie de « Comme J’ai Toujours Envie D’aimer » qui, encore aujourd’hui, est à l’origine de nombreuses rencontres amoureuses sur les pistes de danse… Une compilation du même titre est sortie sous le label « Disques Mérite » en 2001 avec 21 chansons et je crains qu’il faille vous rendre au Québec si vous voulez vous la procurer… Si vous la trouvez, vous aurez la médaille… du Mérite !

MODERN TALKING : « YOU’RE MY HEART, YOU’RE MY SOUL » (1984) 

“Modern Talking” est issu de la rencontre entre l’auteur-compositeur, producteur Dieter Bohlen (né le 7 février 1954) et le chanteur Thomas Anders (né le 1^er mars 1963). Ils se sont connus en 1982 et ont décidé de s’associer durant l’année 1984. Leur premier single « You’re My Heart, You’re My Soul » s’empare immédiatement de la première place des hit-parades en Allemagne (on s’en saurait douter),  au Danemark,  en Finlande, en Belgique, en Israël, au Portugal, en Suisse et en Turquie. Le premier album, tout naturellement intitulé « The First Album » sorti le 1^er avril 1985 est un « poisson » qui rapporte : il se vend à plus de 500.000 exemplaires en Allemagne et contient, en plus du méga hit ci-avant, un autre gros tube « You Can Win If You Want ». Ces deux singles s’écoulent chacun à plus de 250.000 exemplaires ! Les deux compères remettent le couvert quelques mois plus tard et « Let’s Talk About Love, The Second Album » paraît le 14 octobre 1985 avec le hit « Cheri Cheri Lady » n° 1 en Allemagne, restant dans le « Top » durant 24 semaines, en Suisse, Norvège et Autriche. Un peu plus de 7 mois plus tard, le 26 mai 1986, les fans découvrent « Ready For Romance, The Third Album » avec, encore, deux gros succès : « Brother Louie » et « Atlantis Is Calling (SOS For Love) ». L’album sera n° 1 pendant cinq semaines d’affilée. Le 10 novembre 1986, Bohlen et Anders donnent naissance à leur 4^ème bébé : « In The Middle Of Nowhere, The Fourth Album » dont s’extraient « Geronimo’s Cadillac », « Give Me Peace On Earth » et « Lonely Tears In Chinatown », ce dernier exclusivement destiné au marché espagnol. Un léger déclin de popularité outre Allemagne se remarque néanmoins, le groupe ne décrochant que des accessits dans les classements européens. Cette constatation se vérifie avec l’album suivant, « Romantic Warriors, The Fifth Album » du 8 juin 1987 dont seule la plage titulaire, « Jet Airliner », parvient à se distinguer dans les Charts. « In The Garden Of Venus, The Sixth Album » (30 novembre 1987) sonne le glas de nos deux compagnons : l’album ne récolte qu’un accueil fort mitigé en raison d’un manque de promotion. Las, Bohlen et Anders se séparent pour continuer leur carrière chacun de leur côté. 11 ans après, la folle période des « Remix » aidant, nos deux amis tentent ensemble une nouvelle aventure avec « Back For Good » (30 mars 1998) un album constitué de nouvelles versions de leurs tubes précédents et de 4 chansons inédites. Assez curieusement, la sauce prend à nouveau et l’album se vend à plus de 3.000.000 d’exemplaires en Europe dont plus d’1.250.000 rien que pour l’Allemagne ! Bohlen et Anders sont heureux de se retrouver et confirment leur retour avec « Alone, The Eighth Album » (19 février 1999) duquel deux singles sont exploités : « You Are Not Alone » et « Sexy, Sexy Lover ». L’album se classe n° 1 en Allemagne et en Hongrie et atteint une très honorable 11^ème place dans le hit-parade français habituellement assez réticent à leurs productions. « Year Of The Dragon » (28 février 2000) lui succède avec pas moins de 19 titres. Malgré la vente de plus de 300.000 CD en Allemagne, le groupe accuse une nouvelle perte de vitesse. Celle-ci s’accentue avec « America, The Tenth Album » (19 mars 2001) pour lequel les ventes chutes de moitié. Bohlen et Anders veulent encore y croire avec « Victory, The Eleventh Album » (18 mars 2002) et réussissent à décrocher la 1^ère place en Allemagne tout en subissant malgré tout un désintérêt croissant de la part des autres classements européens. « Universe, The Twelfth Album » (31 mars 2003) sent le réchauffé à plein nez malgré « TV Makes The Superstar » qui parvient à se hisser à la seconde place du classement allemand des singles. Bohlen et Anders jettent l’éponge une deuxième fois en publiant « The Final Album, The Ultimate Best Of » (5 août 2003)… Jamais 2 sans… 3 ?

PETER KINGSBERY : « ONLY THE VERY BEST » (1993) 

Cette chanson est tirée de « Tycoon », la version anglaise de « Starmania » par Tim Rice. C’est l’adaptation du sublime « S.O.S. d’un Terrien en Détresse » remarquablement interprétée par le regretté Daniel Balavoine. Peter Kingsbery est aussi le chanteur du groupe Cock Robin formé en 1982 avec Anna LaCazio. La formation se séparera en 1990 et en 2006, c’est le retour avec un nouvel album : « I Don’t Want To Save The World » suivi d’un enregistrement « live » capté lors d’un concert en 2006, à Châlons en Champagne. Peter est né à Phoenix (Arizona), le 2 décembre 1952. Sa famille s’installe à Austin dans le Texas et il s’intéresse très jeune à la musique. C’est le classique qui l’attire particulièrement et il montre d’évidentes qualités au piano par lequel il se fait connaître lors de ses débuts de musicien où il accompagne Brenda Lee. Avant la formation de Cock Robin, il compose des chansons pour Smokey Robinson et écrit « Pilot Error » pour Stephanie Mills qui se classe n° 3 dans les Charts « Dance ». Après la fantastique période « Cock Robin », Peter Kingsbery entame une carrière solo qui sera parsemée de 4 albums studio. Le premier paraît en 1991 sous le titre « A Different Man » en 2 versions; la seconde comprenant deux titres en bonus : « Love In Motion » (sorti en single « promo » avec le liséré « La voix de Cock Robin ») et « The Sublime ». Il sera suivi, 3 ans plus tard, de « Once In A Million » lancé par le single « There’s No Magic To It ». En 1997, Peter enregistre « Pretty Ballerina » dont sont extraits 2 singles : « Pretty Ballerina » et « Better You Know ». Enfin, en 2002, pour démontrer son attachement à la France, il sort un album « Mon Inconnue » exclusivement en français, à l’exception d’un titre « The Long Last Second ». Le CD sera « soutenu » par deux singles : « Derrière Ma Cicatrice » et « Si C’était Vrai ». Malgré la présence de musiciens ayant participé à l’aventure « Cock Robin » et au passage, en forme de joyeuses retrouvailles, d’Anna LaCazio sur l’opus de 1997, Peter Kingsbery ne parviendra pas à défrayer les chroniques des critiques musicaux pour aucun de ces quatre albums. Toutefois, il faut souligner quelques tentatives audacieuses où l’on entend distinctement une nouvelle sonorité qui se caractérise par l’utilisation d’instruments à vent tels que le saxophone, la flûte, le trombone et l’euphonium (de la famille des cuivres, appelé aussi tuba ténor). Autre exemple de recherche de nouveaux sons : l’oud (instrument à cordes très répandu notamment en Grèce, Turquie et Arabie) dans le morceau « Hélène » de son premier album solo en 1991. Peter étend son jeu personnel aussi : non seulement il s’accompagne au piano mais il emploie également l’orgue et l’accordéon… Dommage encore que les spécialistes aient quelque peu boudé ses réalisations qui donnaient une autre image que celle de l’aimable et gentil chanteur de « Cock Robin ». Décidément, les vrais artistes (et ce qui le concerne, il possède une voix magnifique) ne sont malheureusement pas toujours reconnus à la hauteur de leur talent…

WILLY DENZEY : « ET SI TU N’EXISTAIS PAS » (2005) 

Originaire du Laos, Willy naît à Melun le 19 août 1982. Très vite, la musique, à travers la soul et le R&B, va devenir son univers. Il forme son premier groupe « Prodyge Crew », un clone français de « Boyz II Men », à l’âge de 15 ans et en 2000, il s’inscrit à l’émission « Graines de Star » sur M6, produite par Thierry Ardisson et présentée par Laurent Boyer. Il réussit à se hisser en finale et attire l’attention d’un producteur qui le fait participer aux Francofolies de la Rochelle en 2001. Il sort son premier single « Que Vous Dire », purement autobiographique, le 9 novembre 2002, qui fait découvrir une personnalité authentique dénuée de toutes les étiquettes que l’on peut vous affubler dès votre apparition dans le monde du show-business. Le titre ne se classe que 52ème dans les Charts français mais un vieux dicton dit qu’il vaut mieux reculer pour mieux sauter : cette maxime se vérifie avec la parution d’un second single « Le Mur du Son » le 4 mai 2003 qui lui vaut un Disque d’Or et une très belle 8ème position dans le Hit Parade. Fort de ce succès, Willy est de plus en plus sollicité et pose sa voix sur le morceau « L’Allumage » de la bande originale du film « Taxi 3 ». La jeune chanteuse Leslie, elle aussi révélée par l’émission « Graines de Star », le convie pour un duo sur « J’suis Pas Faite Pour Ça », extrait de son premier album « Je Suis Et Je Resterai ». Le 3 novembre 2003 est une date importante dans la carrière de Willy : c’est en effet ce jour-là que sort son premier album qu’il intitule logiquement « Number One » nanti de 13 morceaux dont 3 singles seront extraits : « Number One », qui donne le titre à l’album, « L’Orphelin » et « Beauté ». Dans cet album, on note plusieurs collaborations avec Diam’s (sur « Ma Gueule », pas celle de Johnny !), Kader Riwan (sur « L’Orphelin ») et le rappeur La Fouine (sur « Life »). L’album se vend à 150.000 exemplaires et en 2004, Willy enchaîne avec un nouvel album, « Acte II », qui reçoit un accueil plutôt mitigé. En effet, les fans sont un peu déroutés par le côté « charnel » de l’album (les titres « Boo », « Mon Aphrodite », « L’Enjeu (Enlève Le Bas) ») alors qu’ils avaient été habitués à son romantisme. Par contre, ce sont les reprises de « Et Si Tu N’existais Pas » de Joe Dassin et « Hello » de Lionel Richie qui seront plébiscitées ainsi que « Donnez-Moi La Force » (très beau texte qu’il a composé à 15 ans en pleine crise d’adolescence) et « C’est Écrit Dans L’histoire » qui aborde le thème de la tolérance. Les chansons choisies pour les singles seront « Honey » et la splendide cover d’ « Et Si Tu N’existais Pas ». Depuis, Willy a sorti un single « Mon Royaume » en 2006 et s’est illustré sur la chanson « Double Mise (Bet On It) », en octobre 2007, dans le film « High School Musical 2 ».

J’espère que ce nouveau voyage à travers les époques de la Chanson vous a plu. La rubrique « Comeback » sera prochainement quelque peu mise en « veilleuse » (rassurez-vous, elle reviendra épisodiquement) et sera remplacée par
 

qui vous proposera, en un seul article, un « mix » de plusieurs styles de musiques. Cette formule provient de l’excellente émission de variétés « Musique and Music » de Jacques Martin diffusée fin des années 70.Le présent article clôt également cette année 2009. Je vous donne rendez-vous en Janvier 2010 et en attendant de vous retrouver, je vous souhaite de passer d’excellentes fêtes de Noël et de Nouvel An.
                                                JOYEUX NOËL ! BONNE ANNÉE 2010 !

Prêts pour un nouveau voyage à travers les époques de la Chanson depuis 1930 ? Alors, embarquez avec moi à bord de la navette 

C'est parti, accrochez-vous bien !

Gaston Ouvrard : « Je n'suis pas bien portant » (1934)

Le remède à tous les maux s'appelle Gaston Ouvrard ! Profession ? Comique troupier ! Né à Bergerac en 1890, son père amusait déjà la galerie, comme on dit... Infecté par le même virus, Gaston veut en faire son métier. C'est en 1909 qu'il effectue donc ses premiers enregistrements chez Odéon et « C'est mon frère » est sa première chanson qui retient l'attention... Son succès est tel que le style « comique troupier » renaît de ses cendres. En effet, alors que son père l'avait institué à partir de 1877 avec la chanson « L'invalide à la tête de bois », ce style avait quelque peu disparu du paysage humoristique de la Chanson Française. Gaston connaît le succès surtout entre 1925 et 1935 avec les titres « Elle met des chaussinettes » (1925), « Les femmes au régiment » (1932) et, bien sûr, celui qui fait l'objet du présent article pour lequel nous retrouvons, à l'écriture, Géo Kojer pour les paroles, Ouvrard et l'inévitable Vincent Scotto (qui avait composé un bon nombre de succès pour Tino Rossi, j'y reviendrai dans un prochain article). Après la guerre, il est un peu plus discret et il réapparaît au cinéma dans « Le Tracassin » en 1962. Après l'enregistrement d'un dernier disque en 1966, il est l'un des invités de « Studio 102 » le 3 décembre 1968, une émission présentée par Claude François et Roger Whittaker, et ne manque pas d'interpréter sa chanson favorite. Il fait sa dernière prestation scénique à Bobino en 1971. Il tire sa révérence à Caussade dans le Tarn-et-Garonne à l'âge de 91 ans...

André Claveau : « J'ai pleuré sur tes pas » (1943)

André Claveau ne s'est pas imposé tout de suite dans le monde de la Chanson : il décroche le premier prix à un concours d'amateurs en 1936 alors qu'il s'était déjà essayé, avec talent, aux métiers de graphiste et dessinateur. Et ce n'est que six ans plus tard qu'il est remarqué par le manager d'artistes Marc Duthyl. Sa voix de « crooner » (et de « baryton », car il interprétera même des airs d'opéras !) l'aide à acquérir un statut de « chanteur de charme » qu'il tiendra jusqu'à la fin des années 60 avant la déferlante des « Yé Yé ». Parmi ses titres les plus célèbres, citons « Venez donc chez moi » (1939), initialement chanté par Jean Sablon en 1935, « Seul ce soir » (1942), « Marjolaine » (1943), « Une nuit mon amour » (1949), « Domino » et « Cerisier rose et pommier blanc » (1950), le traditionnel et éternel « Bon anniversaire (nos vœux les plus sincères...) » (1951), l'inaltérable « Mon cœur est un violon », « Tango des jours heureux » (1955), « Les yeux d'Elsa » (1956) , « Buesnas noches mi amor » et « Histoire d'un amour » (1957), « Dors mon amour » (1958) avec lequel il remporte, pour la France, le Grand Concours Eurovision de la Chanson, la reprise de « La valse à mille temps » de Jacques Brel (1959) et « Les amoureux de minuit » (1961). Assez curieusement, alors que sa popularité est toujours intacte, il met un terme à sa carrière en 1970 et se retire dans le Lot-et-Garonne. Jusqu'à la fin de ses jours, le 4 juillet 2003 où il s'éteint à l'âge de 91 ans, il continuera à recevoir des centaines de lettres de ses nombreux admirateurs pour qui il restera, à jamais, le « Prince de la Chanson de Charme » à la voix de velours...

Jacqueline François : « Tu n'peux pas t'figurer » (1950)

Voici le petit mais vibrant hommage de « LA MUSIQUE POUR TOUJOURS » à une grande chanteuse qui vient de nous quitter ce dernier 9 mars à l'âge de 87 ans. Connue aux quatre coins de la planète grâce à son immense succès « Mademoiselle de Paris » en 1948, Jacqueline François incarnera, pour beaucoup, « la chanteuse des amoureux ». C'est vrai que ceux-ci occuperont toujours une place privilégiée dans son répertoire comme le témoigne aussi cette excellente chanson de Paul Misraki. Elle reprendra aussi en français des standards de jazz tels que « Shiny Stockings » (Count Basie), « Lullaby Of Birdland » (de George Shearing, immortalisé par Ella Fitzgerald), « The Lady Is A Tramp » (Frank Sinatra),... C'est en 1945 que son destin se trace par une audition pour passer à la radio. Elle est remarquée par Louis Gasté, le futur époux de Line Renaud, et par l'intermédiaire de sa maison d'édition, il l'invite à enregistrer deux chansons : « Gentleman » et « Ça n'était pas original » qui, toutefois, ne défrayeront pas les chroniques musicales. C'est la rencontre avec Henri Decker (qui deviendra son mari et le père de son unique enfant, François) qui sera déterminante : par son entremise, elle fait la connaissance du compositeur Paul Durand (« Seule ce soir » pour Léo Marjane). Ce dernier la présente à Jacques Canetti, Directeur de Polydor et l'entrevue aboutit à un changement radical dans le style musical que Jacqueline se destinait à personnaliser. Elle abandonne le réalisme pour se cantonner dans un genre plus jazzy empreint de rythmes latins et de « bluettes » destinées à faire oublier les horreurs de la guerre. À partir de 1948, les « tubes » vont s'enchaîner avec la reprise de « C'est le printemps » (« It Might As Well Be Spring » de Richard Rodgers et Oscar Hammerstein, créé en français par Jean Sablon) qui lui vaut un Grand Prix du Disque, « Mademoiselle de Paris » (de Paul Durand et Henri Contet, l'un des auteurs phares d'Edith Piaf), « Trois fois merci » (1950, de Pierre Dorsey et Michel Elmer qui a également travaillé pour Piaf), « Les Lavandières du Portugal » (1955, de Roger Lucchesi et André Popp), titre pour lequel elle reçoit un second Grand Prix du Disque. Le début des années 50 est marqué par sa conquête des Etats-Unis où elle fera même de l'ombre à Edith Piaf ! Ses tenues impeccables, son look irréprochable et son phrasé parfait séduisent définitivement le public américain qui voit en elle l'alter ego masculin de Charles Aznavour. Durant les années 60, elle continue à enregistrer et reprend d'ailleurs « Les comédiens » de Charles Aznavour en 1962, elle sort aussi « C'est bon quand on s'aime » (1963, de Jean Renard et Pierre Delanoë), « Bluesette » (« Les mots que j'entends », 1964, sur la célèbre mélodie de Toots Thielemans) mais se fera plus discrète jusqu'à l'aube des années 70 où elle ne sortira plus que quatre 45 tours dont une réédition de « Mademoiselle de Paris ». Elle fera un bref retour en 1984 avec « Central Park », un dernier 45 tours avec le concours de Francis Lai. Seul Pascal Sevran réussira à la faire ressurgir de l'oubli dans lequel elle s'était volontairement réfugiée, au risque « d'aller trop loin »...

Jean-François Michael : « Adieu Jolie Candy » (1968)

Il commence à chanter sous son véritable nom, Yves Roze, et participe au « Jeu de la Chance » de l'émission « Télé dimanche » qu'il remporte pendant 4 semaines. En 1967, il s'affuble d'une autre identité : il sera désormais Jean-François Michael et rencontre Michel Berger qui, sous un pseudonyme, lui écrit « Adieu Jolie Candy » qui devient un succès international et se vend à plus de cinq millions d'exemplaires ! Il enregistre d'autres chansons jusqu'en 1975 mais elles n'auront pas le même retentissement. Il décide d'abandonner sa carrière de chanteur au profit de celle, brillante, de producteur  puisqu'il se chargera, entre autres, des albums « Rock'n'Dollars » de William Sheller (1975), « Laisse béton » de Renaud (1977), et « Ouragan » de Stéphanie (de Monaco) en 1986. Il produira le single « Comme au cinéma » (1985) et l'album « Mon Victor Hugo » (1988) pour Alain Delon. Ensuite, il s'exile pendant deux ans en U.R.S.S. et revient, accompagné de la chanteuse Cécilia pour s'installer à la Côte d'Azur et fonder une famille. Mais la chanson lui manque et en 2000, il crée un spectacle qui reprend les tubes de 1968 à 2000, il s'intéresse également au marché chinois et réalise un album pour la célèbre chorégraphe transsexuelle Jing Xing. En 2004, il fait son grand retour sur la scène de l'Olympia pour « La Rose d'Or » en référence au célèbre festival d'Antibes créé en 1962.  En avril 2006, il sort un DVD live de tous ses succès et intègre la troupe « Âge Tendre et Tête de Bois » en mars 2008. « Adieu Jolie Candy » est indémodable et fait encore danser les amants d'aujourd'hui...

Résonance : « OK Chicago » (1973)

Ce 45 tours me rappelle aussi d'excellents souvenirs. Déjà à cette époque (j'avais 11 ans), j'écoutais très souvent la radio : le matin à partir de 5 heures 55, pour l'émission « Musique au petit déjeuner » de Gérard Valet sur la première chaîne belge et le soir à 19 h pour le « Hit Parade » d'André Torrent sur RTL ! Dès la découverte de ce morceau, je me  précipitai chez mon disquaire pour me l'approprier et l'incorporer au juke box qui trônait dans le café de mes grands-parents où nous habitions. Je vous assure que les pièces ont défilé pour le faire jouer ! Ce condensé d'effets sonores divers (bruits de pas, claquements de portes de voitures, crissements de pneus, sirènes de police, mitraillettes, revolvers, talkie-walkie) sur fonds de musiques de séries inspirés des thèmes d' « Amicalement Vôtre » et des « Rues de San Francisco » est issu de l'imagination d'un mystérieux Bacson né de l'association de... Pierre Bachelet et Mat Camison ! On ne présente plus le célèbre interprète des « Corons »; Mat Camison, quant à lui, fit partie du groupe « The Peppers » qui sortit le fameux « Pepper Box » et s'occupa des arrangements de la période « Disco » de Sheila. Il fit quelques 45 tours dans les années 80 sous son propre nom mais ils passèrent plutôt inaperçus. Les deux compères collaborèrent ensemble sur deux autres singles qui n'eurent, cependant, pas le même succès que celui-ci : « Safari Love » (1974) que j'achetai également et « Boxing Joe » (1976) dont j'ai découvert l'existence en me documentant pour l'écriture de cet article ! Un double LP intitulé « Time Machine » fut édité en 1976 et reprit ces trois morceaux avec d'autres réalisations dont la face B d' « OK Chicago » : « Yellow Train », marinade de percussions avec le bruit d'un train lancé à toute vitesse et qui finalement entre en gare... Je me servais de ce générique chaque quart d'heure pour lire mes « petites nouvelles » dans mon émission de radio fictive (voir l'article sur « Dan The Banjo Man » dans un autre « Comeback ») !

Guesch Patti : « Etienne » (1987)

Attention, chaud devant... Âmes prudes, s'abstenir ! Voici Guesch Patti et son sulfureux « Etienne ».  Excellente danseuse (elle a commencé à l'âge de 9 ans sous l'œil attentif de Roland Petit), Guesch a... aguiché le public avec cette chanson qui se classe numéro 1 dans 9 pays et dont le disque se vend à 1.500.000 exemplaires. D'emblée, en 1988, elle reçoit le prix de la « Révélation Féminine de l'Année » aux Victoires de la Musique et connaît un autre grand succès avec « Let Be Must The Queen ». Son premier album « Labyrinthe » est une réussite totale. Il n'est jamais donc trop tard pour réussir dans la chanson ! Guesch a déjà près de 44 ans lorsqu'elle sort son second album « Nomades ». Ce dernier est cependant moins bien accueilli que le précédent tout comme celui qui suit, « Gobe » en 1992. Elle change radicalement de cap en 1995 avec « Blonde » qui obtient le concours de Mathieu Chedid, Etienne Daho (sur « Blonde ») et Françoise Hardy (sur « Un peu... beaucoup »). Malgré ces nouveaux choix musicaux, elle ne rééditera pas le succès d' « Etienne ». En 2000 paraît son 5^ème album « Dernières Nouvelles » avec des textes traitant, pour la plupart, de la solitude. Mais, à nouveau, le public se montrera peu réceptif, c'est un échec qui l'écartera du monde de la musique et l'incitera à diversifier ses projets artistiques. C'est ainsi qu'elle revient à la danse avec le spectacle « Elle sourit aux larmes » au Théâtre des Abbesses en 2001. Elle fait quelques incursions dans le cinéma et notamment dans le film « Une pour toutes » de Claude Lelouch en 1999 avec, dans les rôles principaux, Jean-Pierre Marielle et Anne Parillaud. Elle se tournera aussi vers le théâtre puisqu'elle jouera aux côtés de Caroline Loeb et d'Alexandra Kazan dans « Les Monologues du Vagin » au Petit Théâtre de Paris en 2004. En 2008, on pouvait la retrouver dans une pièce de Michel Vinaver « Par-dessus bord » (un spectacle d'une durée de six heures !) au Théâtre de la Colline (Paris 20^ème). Dotée d'une forte mais attachante personnalité, Guesch Patti aura incontestablement marqué les années 80 presqu'uniquement par cette chanson provocante, certes, mais dont le clip témoigne de ses qualités chorégraphiques indéniables imprégnées d'une gestuelle gracieuse et travaillée.

Gala : « Freed From Desire » (1996)

Dès sa sortie, ce disque eut un succès foudroyant ! Jugez-en plutôt : numéro 1 en France, Belgique, Italie, Espagne, au Brésil, en Israël et au Danemark. En juillet 1997, la chanson parvient aux oreilles des anglais et se retrouve immédiatement catapultée à la deuxième place des Charts ! Elle restera dans le Top 10 pendant 8 semaines et se retrouvera encore dans le Top 100 après 14 semaines ! Identifiable par la répétition de la syllabe « na », ce titre a plu tout de suite aux amateurs de « Dance » et a été certifié Disque de Diamant en France pour plus d'un million d'exemplaires vendus ! Au Royaume-Uni, 400.000 copies du single se sont écoulées et ont permis à la chanteuse d'engranger un Disque d'Or. L'artiste italienne Gala est née à Milan le 6 septembre 1975. C'est une véritable « globe-trotter » : elle a voyagé beaucoup en Europe, de l'Espagne à l'Angleterre pour s'initier au flamenco et à la photographie avant d'émigrer aux Etats-Unis où elle a entrepris des études à la Tisch School of Arts de New-York. Remarquée par un DJ pour la particularité sonore de sa voix, Gala enregistre un premier album mais elle devra attendre le second, « Come Into My Life », pour connaître la célébrité. Et le chiffre 2 est certainement un signe du destin pour elle car... après le premier single « Everyone Has Inside » qui a été plutôt anecdotique, c'est le deuxième, « Freed From Desire » qui s'accapare les lauriers ! Mais il arrive quelquefois que la gloire ait des revers douloureux... C'est le cas de Gala qui a vécu une longue traversée désertique avant de revenir... après une pétition organisée sur le net ! En 2005, elle paraît un single « Faraway » mais il est loin de reproduire la plantureuse moisson qu'avait recueillie « Freed From Desire »... Gala aurait récemment travaillé sur la conception d'un tout nouvel album appelé « Tought Love » nanti de 13 chansons inédites... Mais on l'attend toujours alors qu'il était prévu pour ce mois d'avril...

James Blunt : « 1973 » (2007)

La vocation familiale tendait à ce que James devienne militaire de carrière... C'est durant son séjour au Kosovo qu'il compose « No Bravery », une chanson sur sa vision de la guerre. James a toujours voulu faire et vivre de la musique. En 2002, il prend la décision de quitter l'armée pour se consacrer entièrement à sa passion. Il commence donc à se produire dans des bars en Angleterre. L'année suivante, il part pour les Etats-Unis et rencontre Linda Perry de la formation « 4 Non Blondes » qui a notamment travaillé avec Pink et Christina Aguilera. Linda croit beaucoup au talent hors du commun de James et accepte de participer à la production de son premier album « Back To Bedlam » qui sort en 2004. C'est le carton plein et James séduit immédiatement le public de la couleur de ses mélodies, tendres et romantiques. Il a aussi la chance de posséder une voix sublime. Le single « You're Beautiful » devient numéro 1 dans de nombreux pays et son avenir s'annonce sous les meilleurs auspices. Début 2006, il reçoit le « NRJ Music Award » de la révélation internationale de l'année et entreprend une longue tournée mondiale. Il devient également, après Elton John, le second chanteur britannique à avoir vendu le plus de disques aux Etats-Unis. Son second album « All The Lost Souls » paraît en septembre 2007 emmené par le single « 1973 » sorti quelques jours auparavant et qui, d'emblée, décroche la première place aux hits parades allemand et anglais. Mais l'album est aussi composé de très bonnes chansons comme « Give Me Some Love », « I Really Want You » et « Annie » pour lesquelles, personnellement, je marque une petite préférence par rapport aux autres. Pour James, la vie s'est transformée en un véritable conte de fées. Depuis sa naissance (en 1974 ou 1977, on ne sait pas trop mais des références lui attribuent toutefois la date du 22 février 1974) dans un hôpital militaire à Tidworth, dans le Wiltshire (sud-ouest de l'Angleterre) jusqu'au studio d'enregistrement de Los Angeles après avoir transité par l'académie militaire de Sandhurst et les épreuves de son séjour au Kosovo, James Blunt a déjà beaucoup « bourlingué » alors qu'il vient seulement de franchir la trentaine... Et je suis sûr que ce chanteur très charismatique et éminemment sympathique n'a pas fini de faire parler de lui.

Je vous emmène dans un nouveau voyage musical à travers le temps avec...

Alibert : « On a le béguin... pour Célestin » (1932) : chanson extraite de l'opérette « L'auberge du cheval blanc » avec des paroles de Lucien Besnard et René Dorin sur une musique de Robert Gilbert.  Né en 1889, Henri Allibert monte à Paris à l'âge de 19 ans. C'est après la Première Guerre Mondiale qu'il s'affirme comme fantaisiste et fait disparaître son prénom pour se faire appeler tout simplement Alibert. Il connaît le succès à partir de 1928 au moment où il enregistre une chanson de son beau-père Vincent Scotto : « Mon Paris ». Il va jouer dans plusieurs opérettes : « Elle est à vous » (1929), « Au pays du Soleil » (1932), « Les arènes joyeuses », « Trois de la marine » (1934), « Un de la Canebière » (1935) et « Les gangsters du Château d'If » (1936). Il est encore à l'affiche d'autres œuvres durant le second conflit mondial : « Ma belle Marseillaise » (1940), « Le Port du Soleil » (1941), « Les Gauchos de Marseille » (1943)...  A partir de 1945, quelque peu délaissé par le public, il réoriente sa carrière vers la composition et devient directeur du « Théâtre des Deux-Ânes ». Il décède en 1951 à l'âge de 62 ans. Jenny Hélia, quant à elle, nous a quittés en 1992, à l'âge de 86 ans. Elle commence à chanter à l'âge de 8 ans et à 16 ans, elle interprète des petits rôles dans les revues marseillaises de l'Alcazar. C'est Alibert qui la repère afin qu'elle joue à ses côtés dans « Au pays du Soleil ». Actrice de premier plan durant les années 30, sa filmographie comprend notamment « L'aiglon » de Victor Tourjansky (1931), « Tartarin de Tarascon » de Raymond Bernard (1934), « La bête humaine » de Jean Renoir, « Un de la Canebière » de René Pujol (1938). Elle reprend sa carrière après la Seconde Guerre Mondiale dans « Le Gardian » de Jean de Marguenat (1945), « L'école buissonnière » (1948) et « La belle que voilà » (1949) de Jean-Paul Le Chanois. Durant les années 50, elle est notamment à l'affiche de « Manon des sources » de Marcel Pagnol (1952) et d' « Honoré de Marseille » de Maurice Régamey (1956). Elle tourne son dernier film en 1967 dans « Ce sacré grand-père » sous la direction de Jacques Poitrenaud.  

Lucienne Boyer : « Mon cœur est un violon » (1945) : née à Paris en 1901, elle est tout d'abord modiste comme le fut sa mère. Elle fait ses débuts dans la chanson en 1916-1917 et aboutit au Concert Mayol où elle se fait remarquer par le producteur américain Lee Schubert qui l'engage pour une tournée de 9 mois. Elle deviendra très populaire aux Etats-Unis et en Amérique du Sud. Elle revient à Paris en 1928 et enregistre son premier disque « Tu me demandes si je t'aime ». Son premier grand succès sera « Parlez-moi d'amour » en 1930 suivi par d'autres comme « Un amour comme le nôtre », « Sans toi », « Si petite », « Les prénoms effacés »... et « Mon cœur est un violon ». Mais avant ce nouveau « tube », elle repart en 1934 pour chanter au Rainbow Room et au Little Theater de la 44^ème Rue à New-York. Son cœur se partagera entre la France et les Etats-Unis et elle effectuera de nombreux aller et retour en compagnie de Jacques Pills, son second mari. Elle continuera sa carrière jusqu'au tout début des années 60 pour ne plus réapparaître qu'en 1976 à l'Olympia avec sa fille Jacqueline où elle interprétera ses plus belles chansons dont « Parlez-moi d'amour » et « Mon cœur est un violon » qu'elle chantera également en duo avec Claude François, à sa demande exceptionnelle, au cours de son émission « La bande à Cloclo » du 11 juillet 1976. Elle décède à Paris le 6 décembre 1983.  

Francis Lemarque : « Marjolaine » (1957) : auteur de près de 400 chansons, Francis naît le 25 novembre 1917 à Paris dans un petit deux pièces au-dessus du bal des Trois Colonnes. Son frère Maurice et sa sœur Rachel complètent une famille modeste dont la mère est lituanienne et le père, d'origine polonaise, exerce le métier de tailleur pour dames. Il quitte très tôt l'école pour travailler en usine à l'âge de 11 ans. Marqué par l'ambiance des bals musette, Maurice et Francis forme un duo « Les frères Marc » et font la connaissance de Jacques Prévert. Joseph Kosma les accompagnera même comme pianiste à leurs débuts. En 1940, il rencontre Jacques Canetti qui devient son imprésario et entreprend quelques tournées en Afrique du Nord avec Django Reinhardt. Ayant déjà perdu son père en 1933, il a la douleur d'apprendre la mort de sa mère déportée à Auschwitz en 1943. Au lendemain de la guerre, Francis Lemarque commence sa carrière de chansonnier dans des cabarets de Saint-Germain-des-Prés. Il se marie en 1946 et assiste pour la première fois à un spectacle d'Yves Montand dont il fait la connaissance par l'entremise de Jacques Prévert. Montand est conquis par le talent d'écriture de Francis et décide rapidement d'interpréter ses compositions : « Je vais à pied », « Ma douce vallée », « Bal petit bal »... parmi la trentaine de chansons que Francis lui dédie. Dans les années 50, sa popularité s'affirme et il sera même censuré pour sa chanson « Quand un soldat ». Pas atteint du tout par la vague « Yé Yé », Francis Lemarque passe allègrement les années 60 et parvient à rester dans la mémoire collective par ses fréquents passages à la télévision et à ses nombreuses tournées qui, dès le début de la décennie suivante, seront axées sur un concept appelé « Paris Populi » composé de chansons et de séquences vidéo. L'Académie Charles Cros lui décerne d'ailleurs un Grand Prix pour ce spectacle en 1973 auquel j'ai assisté au Palais des Beaux-Arts de Charleroi le 19 février 1979. Ensuite, il collabore avec Romain Didier sur plusieurs albums et fête ses 75 ans dans un des plus célèbres bals de Paris, le Balajo, dans la rue de son enfance. Il se produit une dernière fois pour deux récitals en octobre 1998 au Théâtre de l'Est Parisien. Il s'éteint le 20 avril 2002 à la Varenne Saint-Hilaire, dans sa demeure des bords de Marne, où il résidait depuis les années 50.

Gilles Dreu : « Alouette-Alouette » (1968) : né à Dreux dont il tirera son nom d'artiste (sans le « x » qu'il trouvait disgracieux), le petit Gilles accompagne ses parents en Afrique avant de s'établir à Marseille au début des années 50. Attiré par le sport, il délaisse les études au profit du rugby, de l'athlétisme, de la lutte gréco-romaine et de la natation. Il veut devenir professeur en éducation physique. Déporté en Algérie durant son service militaire, il monte pour la première fois sur les planches à Oran pour y gagner un concours de chant en interprétant « Quand on n'a que l'amour » de Jacques Brel. Dans les années 60, il débute au « Tire-Bouchon » et pour se présenter, il se nomme « Dreux »... dont il abandonnera la dernière lettre. Son charisme et sa voix chaude sont ses alliés dans ses périples de cabaret en cabaret. Il rencontre Bernard Dimay, François Deguelt et fréquente un jeune débutant promis à une très belle carrière : Serge Lama. Il signe un contrat chez « Riviera » en 1962 et enregistre 3 45 tours « 4 pistes » qui ne rencontreront pas le succès escompté. En 1966, Hugues Aufray lui propose d'adopter un autre style musical. « Viva Zapata » se fait plus entendre mais c'est surtout « Alouette-Alouette » qui décroche la timbale en 1968. Les portes de l'Olympia s'ouvrent devant lui et il assure la première partie d'Yvan Rebroff. Il étoffe son répertoire avec d'autres belles chansons telles « Pourquoi Bon Dieu », « La Mégère apprivoisée », « Ma mère me disait », « Moïse » (qu'il chante avec Nicole Croisille), « Descendez l'escalier »... En 1970, il fait « Bobino » avec Marie Laforêt et investit dans un camp de loisirs dans les Yvelines avec Gérard Klein en 1973. Il y laissera beaucoup d'argent ! Il parvient à se « renflouer » en devenant animateur d'une émission à Télé Monte-Carlo où il présente « Jamais Dreu sans toi » dans laquelle il reçoit aussi bien Johnny Hallyday que... Raymond Poulidor ! Il entreprend de nombreuses tournées en Belgique, en Suisse, au Québec et également dans quelques pays africains. Les années 80 sont plus discrètes, il prend la direction du département « Communication » à la station thermale de Vichy mais n'abandonne pas la chanson pour autant. Il écrit un livre et sort une compilation de ses succès chez « Carrère » qui lui permet de se faire inviter par le « gotha » des animateurs télé de l'époque : Drucker, Sabatier, Sébastien et Martin.  La dernière décennie du XXème siècle est agrémentée de concerts mais aussi de 2 albums : « Terre de lumière » et « Les chansons de mes 20 ans » qu'il écume chez Pascal Sevran. Son dernier enregistrement « Chanter pour elle » remonte à 2002-2003 qu'il a écrit entièrement à l'exception de la chanson générique que lui a offert Didier Barbelivien et dont il a confié la production à Pierre Billon. Gilles Dreu a fait partie dernièrement de la troupe « Age tendre et Tête de Bois » dont la tournée en France et en Belgique a rencontré un formidable succès. Des milliers de spectateurs ont pu ainsi revoir cet agréable artiste, à la silhouette toujours aussi svelte et dont le sourire éclatant n'a pas été altéré par le temps qui passe...  

Buggles : « Video Kill The Radio Star » (1979) : Geoff Downes et Trevor Horn étaient les deux membres de ce groupe formé en 1977 et dissous en 1981 après seulement deux albums. Cette chanson fut classée n° 1 dès sa sortie, notamment en France et en Angleterre et fut la première à être retransmise sur MTV lors du lancement de la chaîne le 1er août 1981. Issue de l'album « The Age Of Plastic », elle fut très largement diffusée en radio et occulta les autres titres, excepté « Living In The Plastic Age » qui connut également un certain retentissement. Le deuxième album, « Adventures In Modern Recording » parut en 1981 alors que les deux musiciens avaient incorporé le groupe « Yes » pour l'enregistrement de « Drama », en remplacement de Jon Anderson et Rick Wakeman. Le morceau « I Am A Camera » sortit en « single » et fut carrément le seul à être plébiscité par les programmateurs radios. A la séparation du groupe, Geoff Downes intégra la formation « Asia » et conçut quelques albums en solo tandis que Trevor Horn se recycla, avec succès, en producteur (il fut notamment le producteur de « Yes », Grace Jones, « Frankie Goes To Hollywood », « ABC », Lisa Stansfield, Seal,...). Les « Buggles » se retrouvèrent en novembre 2005 pour un gala en l'honneur des 25 ans de carrière de Trevor Horn comme producteur. A cette occasion, ils interprétèrent les deux chansons qui firent leur renommée, « Video Kill The Radio Star » et  « Living In The Plastic Age ».

Kim Carnes :« Bette Davis Eyes » (1981) : née le 20 juillet 1945 à Pasadena, aux Etats-Unis, Kim commence à se faire connaître en 1972 avec la parution d'un premier album, « Rest On Me ». Elle poursuit sa carrière en sortant régulièrement des albums mais ne parvient pas à se faire une place au soleil, c'est vrai qu'on la confond souvent avec Bonnie Tyler pour son timbre de voix rocailleux, si particulier. Elle doit attendre 1981 pour enfin goûter aux saveurs de la gloire avec cette chanson extraite de « Mistaken Identity » pour laquelle elle est remerciée par Bette Davis en personne qui lui témoigne sa reconnaissance pour cette composition. Pour la petite histoire, celle-ci fut écrite en 1974 mais Kim Carnes ne l'enregistrera que sept ans plus tard lorsque l'arrangeur Bill Cuomo la lui représente avec une instrumentation plus moderne. Son 13ème et dernier album à ce jour « Chasin' Wild Trains » remonte à 2004.

Enigma : « Sadeness » (1990) : Michael et Sandra Cretu sont à l'origine de ce projet musical dont le septième et dernier opus « Seven Lives Many Faces » est sorti cette année. Le premier album « MCMXC a.D. » paru en 1990 fut un très gros succès de par sa conception originale mêlant adroitement chants grégoriens et musique composée essentiellement de sons électroniques. Par la suite, il ajoutera des sonorités orientales (pour « The Cross Of Changes » et « Le roi est mort, vive le roi ») et électroniquement plus expérimentées (pour « Screen Behind The Mirror », « Voyageur » et « A Posteriori »). Les thèmes les plus souvent abordés sont l'amour, la foi en Dieu et l'innocence alors que la première réalisation était carrément axée sur la sexualité. La « griffe » Michael Cretu est reconnaissable sur chaque album qu'il réalise : une introduction musicale est suivie d'une voix féminine qui vous invite à un nouveau voyage... On ne change pas une bonne vieille recette...

Gerald de Palmas : « Regarde-moi bien en face » (2000) : extrait de l'excellent album « Marcher dans le sable » qui comporte, outre cette formidable chanson, « Une seule vie », « J'en rêve encore » et « Tomber », Gerald de Palmas est un artiste attachant dont la seule passion est de faire partager sa musique. Né le 14 octobre 1967 à Saint-Denis de la Réunion, il a grandi en voulant absolument devenir musicien. C'est avec « La Dernière Année » qu'il acquiert la notoriété en 1995, surtout avec le titre « Sur la route ». L'album suivant, en 1997, « Les lois de la nature », déçoit mais il ne se décourage pas et trois ans plus tard, c'est le carton plein avec « Marcher dans le sable » auquel participent Jean-Jacques Goldman et Maxime Le Forestier. Johnny Hallyday le recrute pour son double album « A la vie, à la mort » pour lequel il lui concocte pas moins de 7 chansons dont 5 seront finalement retenues : « Marie », « Personne d'autre », « L'instinct », « Un homme libre » et « Elle veut ma vie ». Après un « Live 2002 » très apprécié, paraît « Un homme sans racines » en 2004, plus intimiste, plus dépouillé dont « Elle danse seule » se démarquera. 630.000 exemplaires seront vendus (double disque de platine)... Voilà qui donne encore un fameux stress à Gerald de Palmas obligé de se surpasser pour son prochain album... dont le mystère plane toujours sur sa parution puisqu'à l'heure actuelle, il est toujours à la recherche d'une nouvelle maison de disques suite à sa rupture d'avec « Universal » !