LE BLOG NOTE DE BERNIE

Dani Klein ou, si vous préférez, Vaya Con Dios, a tiré sa révérence le 25 octobre 2014 par un ultime concert à Forest National. L’aventure de Vaya Con Dios avait commencé en 1988 avec un album éponyme composé de 12 titres dont les célèbres « Don’t Cry For Louie », « Just A Friend Of Mine », « Puerto Rico » et la reprise de « Johnny » chanté à l’origine par Edith Piaf. Dani Klein mais aussi le bassiste Dirk Schoufs et le guitariste Willy Lambregt forment un trio musicalement très homogène et d’une savoureuse complémentarité. Il faut dire que la voix « soul » de Dani Klein est particulièrement bien mise en valeur et, ce qui frappe à l’audition de la plage titulaire de ce premier album, c’est l’infime qualité sonore des instruments principaux joués par l’excellent Schoufs (qui quittera le groupe en 1991 avant de partir prématurément en 1992 pour un monde meilleur) et Lambregt qui s’en ira rejoindre Les Scabs. Après « Night Owls », un second album très réussi sorti en 1990, emmené par les efficaces « Nah Neh Nah », « What’s A Woman » et « Night Owls », Dani Klein se retrouve seule au commande de Vaya Con Dios dont elle continue à véhiculer le nom à l’instar de Mick Hucknall avec Simply Red. Le départ de ses deux compères n’altère aucunement son enthousiasme à faire paraître un 3^ème album, « Time Flies », en 1992, dont on pouvait croire qu’il était le dernier. 3 ans plus tard, Dani persiste, résiste et signe « Roots & Wings » aux accents blues-rock qui truste la 1^ère place dans le nord du pays et la seconde dans la partie francophone et duquel sera extrait le single « Don’t Break My Heart » coécrit notamment par Willy Lambregt, l’ex-guitariste du groupe. Pourtant, en 1996, Dani décide d’arrêter et édite, en forme d’adieu, un « Best Of » suivi d’une nouvelle compilation intitulée « What’s A Woman » en 1998 comme si Vaya Con Dios ne devait pas mourir. Il faudra attendre « The Promise » en 2004 pour que Vaya Con Dios renaisse de ses cendres avec des chansons enregistrées en plusieurs langues aux rythmes diversifiés pour encore mieux affirmer son appartenance à la pluralité des influences musicales que l’on retrouve dans le disque. Après « The Ultimate Collection » en 2006, Dani vaincra les vieux démons avec « Comme on est venu », un album exclusivement en français alors qu’elle avait écarté définitivement cette éventualité lors de ses débuts avec Vaya Con Dios de crainte de ne pouvoir rivaliser avec les grands de la Chanson Française… Le 25 octobre 2014, Dani a dit au revoir à son public, est-ce un adieu à tout jamais ? En attendant, la musique de Vaya Con Dios se laisse emporter par une brise nostalgique jusqu’au large de Puerto Rico…

LE BLOG NOTE DE BERNIE

Aujourd’hui, le Blog Note s’attarde sur une grande chanson, certainement l’une des plus belles jamais créées. Paul Simon la compose pendant l’été 1969 tandis qu’Art Garfunkel honore le film Catch 22 de Mike Nichols de sa participation. À cette époque, Paul loue une maison qu’il occupe avec son épouse Peggy sur Blue Jay Way à Hollywood. Tout d’abord, il faut savoir que, dans sa version initiale, « Bridge Over Troubled Water » ne possédait que deux couplets. Paul Simon décida d’en ajouter un et il l’écrivit en studio. En ce qui concerne le prolongement vers l’apothéose sonore finale, c’est Art Garfunkel, avec l’aide du producteur Roy Halee, qui le concevra en se basant sur le travail de Phil Spector sur le morceau « Old Man River » des Righteous Brothers. Alors que cette magnifique ballade parle d’amitié, le duo ne va pas bien et les conflits sont légion entre Simon et Garfunkel. Au niveau de sa structure musicale, d’abord créée à la guitare, la mélodie ne devait être jouée qu’au piano, avec le concours du claviériste Larry Knechtel, sur laquelle devait venir se déposer uniquement la voix de Garfunkel, celle de Paul intervenant seulement dans le troisième couplet. Plus tard, Paul expliquera qu’il fut inspiré par un negro spiritual de 1959, « O Mary, don’t you weep », faisant partie du répertoire d’une formation de gospel appelée The Swan Silvertones, très célèbre dans les années 40 et 50, dont les paroles « I’ll be a bridge over deep water if you trust in my name » furent à l’origine de l’écriture de la chanson. Avant la sortie du 33 tours abritant « Bridge Over Troubled Water », c’est le boss de Columbia Records en personne, Clive Davis, qui imposa que le titre figure en plage titulaire de l’album, que ce dernier en porte le même titre et qu’il en soit le premier extrait en 45 tours, un choix inédit et judicieux pour un morceau de près de cinq minutes qui sera n° 1 aux États-Unis, au Canada, au Royaume-Uni et en France, n° 2 en Australie et en Irlande et n° 3 en Allemagne, le single se vendant à plus de 6.000.000 d’exemplaires sur le plan mondial. Quand les spécialistes l’entendirent pour la première fois, certains firent des allusions comme quoi la chanson faisait l’éloge de la drogue, les mots « Silver Girl » évoquant une seringue. Assez laconiquement, Paul Simon confiera que ce sont plutôt les premiers cheveux gris de son épouse qui l’inspirèrent. « Bridge Over Troubled Water » sera repris par de nombreux grands artistes à commencer par Elvis mais aussi Johnny Cash, Aretha Franklin et plus près de nous, Nana Mouskouri. Pour le 40^ème anniversaire, Columbia rééditera en 2011 l’album original, accompagné d’un DVD contenant un documentaire d’une durée de 60 minutes sur le « making of » de « Bridge Over Troubled Water », 8 x disque de platine, n° 1 pendant 10 semaines dans la catégorie albums avec, au total, une présence dans les Charts de plus d’un an et demie après sa sortie.

Aujourd’hui,  j’ai choisi de vous raconter le « making of » de « With Or Without You », l’une des plus grandes chansons de la plantureuse discographie de U2. Le morceau figure sur la troisième plage de l’album « The Joshua Tree » qui paraît début mars 1987. Trois singles officiels en seront extraits : « With Or Without You » sera le premier, édité au cours du même mois, suivi par « I Still Haven’t Found What I’m Looking For » et « Where The Streets Have No Name » respectivement en mai et août 1987. « With Or Without You » deviendra très vite n° 1 aux États-Unis ainsi qu’au Canada; le single se classera également dans le Top 10 de la plupart des charts européens, il sera n° 2 au Pays-Bas, n° 3 en Belgique et n° 4 au Royaume-Uni. C’est une démo enregistrée fin 1985 qui est à l’origine de la chanson, la formation continuant à la travailler durant les sessions de l’album « The Joshua Tree ». Exprimant les propres sentiments contradictoires de Bono à la fois sur la vie qu’il mène en tant que musicien et sur celle en tant qu’être humain, le morceau aura la particularité de passer par de nombreux stades de conception musicale avant d’atteindre la structure finale qu’on lui connaît. La première mouture est même qualifiée d’horrible par The Edge tandis que le bassiste Adam Clayton la juge « trop sentimentale » notamment à cause des accords qui tournaient en boucle. La formation songera même à renoncer à sortir la chanson du fait que Bono et ses acolytes ne parvenaient pas à dénicher les arrangements musicaux qu’ils souhaitaient imprégner au morceau. Finalement, c’est sous l’impulsion et avec la collaboration de Gavin Friday que Bono trouve la bonne formule. Toutefois, un autre musicien se révèlera déterminant dans la conception instrumentale de « With Or Without You » en la personne du guitariste canadien Michael Brook qui sera à l’origine du son produit par l’ « Infinite Guitar », un instrument qui permet d’obtenir une note soutenue continuelle sans qu’elle ne soit rejouée, c’est ce que l’on appelle, dans le jargon musical, l’effet sustain. C’est The Edge qui, bien évidemment, se chargera de créer ce son à partir de l’ « Infinite Guitar » dans une pièce totalement isolée des autres instruments. Au début du morceau, la voix de Bono, dans un registre bas, ne fait qu’accentuer le contraste avec la note en continu de la guitare, une savoureuse combinaison qui est à la base du grand succès d’un morceau entré à jamais dans le classement huppé des 500 plus grandes chansons de tous les temps dans le célèbre magazine « Rolling Stone ».

Elle naît à Pertuis dans le Vaucluse un 7 avril en 1947. Son père est facteur et s’émerveille quand, à l’âge de 6 ans, elle chante au plus grand plaisir de son entourage et participe à son premier concours de chant. C’est vrai que la petite Michèle a un très joli timbre et pose sa voix avec une étonnante justesse. Elle concourt sur d’autres podiums où elle se produit et gagne avec une facilité déconcertante écœurant au passage ses concurrents non seulement par son charme mais aussi et surtout par une parfaite interprétation. En janvier 1964, Michèle Torr (dont le deuxième « r » remplace la lettre « t », la dernière de son véritable nom) enregistre son premier 45 4 pistes intégralement composé d’adaptations : « Dans ma rue » de « Down Our Street » de Jackie and The Raindrops et « Bon Anniversaire » d’ « Happy Anniversary » de Pat Powdrill  sur la face A tandis que la face B présente « Quand je sors avec toi » de « Broken Heart (and a pillow filled with tears) » de Paul Anka et « C’est dur d’avoir 16 ans » d’ « It Hurts To Be Sixteen » de Ronnie Grossman. Au mois de mai, elle conforte son succès avec « Dans mes bras, oublie ta peine ». En 1966, sa chanson « Ce soir, je t’attendais » est sélectionnée pour représenter le Grand Duché du Luxembourg à l’Eurovision où elle termine 10^ème. Tout au long des années 60 et 70, elle occupe une grande place dans le cœur du public français qu’elle conquit par sa gentillesse, sa simplicité mais aussi par son professionnalisme. Des années 70 où elle accumule les tubes : « Une vague bleue » en 74, « Cette fille, c’était moi » en 75, « Une petite française » en 1977, chanson avec laquelle elle se présente pour la seconde fois à l’Eurovision, cette fois-ci sous les couleurs de la Principauté de Monaco qu’elle honore d’une très méritoire 4^ème place. Mais c’est en 1978 qu’elle décroche la timbale avec « Emmène-moi danser ce soir », un 45 tours qui se vend à 3 millions d’exemplaires. Sur une ligne mélodique efficace composée par François Valéry et un texte de Jean Albertini interpellant tout un chacun sur la sédentarité et les mauvaises habitudes qui peuvent enliser la vie d’un couple, la chanson figure dans la tracklist de tous ses concerts ainsi que celui au cours duquel elle devrait se produire prochainement à Las Vegas ! 

Vous souvenez-vous d’Edwin Starr ? Ce chanteur, originaire de Nashville, né le 21 janvier 1942 et décédé d’un infarctus le 2 avril 2003, a connu un énorme succès avec la chanson « War » en 1970 (n° 1 aux États-Unis et n° 3 en Grande-Bretagne) dont une première version avait été enregistrée par The Temptations. Elle fut notamment reprise par Bruce Springsteen et son E-Street Band en 1985. En 1979, alors que le Disco déferle sur la planète entière, il sort « Contact » (n° 65 aux États-Unis et n° 6 en Grande-Bretagne) et « H.A.P.P.Y. Radio » (n° 79 aux États-Unis et n° 9 en Grande-Bretagne), deux joyaux qui font fureur sur les pistes des discothèques. Mais avant de décortiquer ce morceau, je vous propose une brève bio d’Edwin Starr. Il commence à chanter à l’âge de 15 ans et c’est avec « Agent Double’O’Soul », un titre inspiré de la saga des James Bond, qu’il se fait enfin remarquer en 1965. Juste avant son plus gros hit, il édite « 25 Miles » en 1969, un superbe morceau issu de l’usine « Motown », qui se classe en 6^ème position au Billboard. Sa carrière est définitivement lancée mais curieusement, après « War », il devra attendre la période « Disco » pour faire à nouveau parler de lui. Le début des années 80 s’avère anecdotique et Edwin Starr s’allie avec le fameux trio Stock, Aitken et Waterman (la fabrique de tubes pour Rick Astley, Kylie Minogue, Jason Donovan, Cliff Richard, Donna Summer…) pour « Whatever Makes Our Love Grow » en 1987 qui ne décrochera qu’une 98^ème place dans le Top 100 britannique… C’est à l’aube du second millénaire qu’il fait un retour remarqué, notamment au cours de la « Party at the Park » à Swindon, entre Londres et Bristol, en 2002 où il reprend, entouré de très bons musiciens et avec une verve incroyable, ses plus grands succès dont « Contact » et « Happy Radio ». Pour en revenir à ce dernier morceau, prenons la peine d’analyser succinctement la fabuleuse introduction musicale de 34 secondes qui inclut tous les bons ingrédients à la recette du Disco : des chœurs bien en voix sur un fond de grosse caisse à laquelle viennent s’adjoindre des battements de mains avec une section de trompettes dont les effets sonores sont superposés. Les gimmicks de la basse viennent ensuite enjoliver l’ensemble pour aboutir à l’une des meilleures intros que le Disco ait connue. Enfin, un petit mot sur le clip où l’on peut voir Edwin Starr dans un studio de radio, affublé d’un t-shirt du titre de sa chanson, tantôt à la régie, derrière la console et « On the air », comme on dit dans le jargon du monde de la radio.